jueves, 9 de octubre de 2014

EL ARTE POP II: ESTADOS UNIDOS

JAMES ROSENQUIST:"Painting for the American Negro", 1962
JAMES ROSENQUIST: Flores, peces y mujeres de las cuatro estaciones", 1984
    









































GEORGE SEGAL "Depresión Pan Line", 1991. Bronce 108 x 148 x 36 cms.


Retazos de realidad

Segal utilizó el yeso como medio para dar rienda suelta a un realismo poético e introspectivo. La adaptabilidad del material no sólo sirve para reflejar la fisonomía del hombre sino también para plasmar su individualidad, sus estados de ánimo. La vida cotidiana irrumpía en sus montajes. Una parada de autobús, un semáforo, una silla recrean el escenario para sus figuras fantasma con las que realiza instalaciones al aire libre en numerosas ciudades.
GEORGE SEGAL: "Bailarinas", 1971
GEORGES SEGAL: "La cortina", 1974


GEORGE SEGAL: "Jacob y los ángeles", 1984
Las huellas personales de Oldenburg: 
Esculturas blandas
Esculturas de objetos cotidianos sobredimensionados  
Estas dos manifestaciones del artista son sus señas de identidad. Oldenburg refleja objetos triviales de la realidad confiriéndoles un gran sentido del humor. Quizá sea uno de los atractivos de su obra.
"Herramientas en Equilibrio",   Vitra company, Weil am Rhein, Alemania





















Es conocido, sobre todo, por estas instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. En estas esculturas el sentido del humor reside en el contraste de las dimensiones gigantescas con la banalidad del objeto. 
CLAES OLDENBURG: “Dropped Cone”, 2001
CLAUS OLDENBURG: “Shuttlecocks”, 1994


Oldenburg calcula geometrías que funcionan a distancia. En un mundo en el que todo lo que aparece en la pantalla de la televisión es pequeño y todo lo que aparece en la pantalla del cine es grande, nuestro sentido de la escala es confuso.
Esculturas blandas





TOM WASSELMANN: "Collage en la bañera“, 1963. Óleo sobre lienzo, plástico y diversos objetos (puerta, toalla y cesto para la ropa
A finales de los cincuenta Wesselmann comenzó a explorar las posibilidades del collage. Para ello, utilizó papeles y folletos de publicidad, constituyendo estas obras una de las primeras expresiones del mundo publicitario que luego serían tan utilizadas por el resto de artistas pop norteamericanos. 
Tom Wesselmann: “Naturaleza muerta n º 24” 1962
En su serie de naturalezas muertas -Still life-, recreaba los productos sacados de la vida cotidiana que caracterizaron al arte pop, a los que presentaba como símbolos de la sociedad del consumo: frigoríficos, radios, cajetillas de tabaco, latas de cerveza, periódicos, helados, botellas.
Tom Wesselmann: “Desnudo recostado al sol con manzanas de Matisse sobre mantel rosado», 2003. Óleo sobre tela. 205.7 x 315 cm.

“Yo creo que mi obra se debe mirar con ojos de niño, sin ningún prejuicio ni intencionalidad. Los libros de historia se suelen referir a la evolución de mi obra como a algo que se desliza en un entorno de ‘flashes’: un taxista come un ‘sandwich’ y, al mismo tiempo, por la ventanilla de su coche, ve unas piernas bonitas. Quizá el peligro con mi obra es que la mirada se pierda en ese tipo de fogonazos, pero es algo que responde a la experiencia de la fragmentada vida de hoy en día, tanto en Europa como en Estados Unidos.”   JAMES ROSENQUIST
Grandes formatos
"Pensé, ¿cómo puedo hacer un nuevo tipo de cuadro? Si puedo tomar un fragmento de algo realista, y situarlo en el espacio, de gran tamaño, podría hacer una pintura en la que la gente reconocería algo con rapidez. El fragmento más grande sería el más cercano, y el más difícil para reconocer. Por lo tanto, yo podría hacer una pintura misteriosa."  JAMES ROSENQUIST



Obra realizada a base de pintura y relieve con piezas prefabricadas (contraventanas) que constituye un detalle de la pared de una casa, un típico muro de cemento informe en una casa prefabricada.






“Hice una serie de cuadros titulada ‘La velocidad de la luz’. Se referían a la teoría de Einstein según la cual las cosas no se perciben igual si estamos quietos o nos movemos a aquella enorme velocidad. Todo depende de quién vea las cosas. ¿Quién ve como bello qué cosa? Muchas veces, los espectadores que se creen sofisticados tiene en realidad un mal gusto espantoso; mientras que aquellos a los que se considera vulgares son los verdaderamente inteligentes. Si empleo elementos de cada día es porque permiten al público una identificación inmediata del objeto; pero si los reproduzco a gran escala, ya no son tan reconocibles. Por ahí empieza la ironía.”  JAMES QOSENQUIST



miércoles, 20 de agosto de 2014

EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS: ROY LICHTENSTEIN

Roy Lichtenstein: "Mujer en el baño", 1963
     








































 Mujeres de miradas melancólicas 





"Whaam!", 1963
El templo griego como símbolo de una atracción turística estereotipada.



Entre los años sesenta y noventa Lichtenstein realiza una serie de obras en que recrea la abstracción, el cubismo e incluso el surrealismo. Entre ellas se encuentran imágenes de paisajes compuestas principalmente de puntos Benday.

"Sea-Shore", 1963
Lichtenstein realizó también pinturas murales y paisajes minimalistas, de influencia japonesa.


 Los artistas miran al pasado de forma inevitable rechazando o admirando las obras de sus predecesores, recreándolas a través de sus reinterpretaciones, filtrando aquello menos afín a sus gustos y resaltando lo que les resulta admirable.  
Lichtenstein se apropia de géneros existenes. En sus obras se aprecia su predilección por Picasso y experimentará con el cubismo, pero también con el surrealismo, futurismo y expresionismo.  Adaptará al lenguaje del cómic obras de sus artistas preferidos. 
Versión de “El Jinete Rojo” de Carrá de 1913,  adaptado  al 
lenguaje del comic.

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